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Cómo hacer un plano de luces para teatro

iluminación para teatro.

Claves para la iluminación de un escenario teatral

Si hay algo imprescindible en una obra de teatro es la mágica atmósfera que se crea sobre el escenario, y para ello es necesario combinar distintos elementos como una buena interpretación, un sonido impecable o una iluminación acorde que ayude al espectador a introducirse en la historia. Este último elemento debe estar controlado por un profesional titulado que haya cursado una formación como el Técnico Superior de Iluminación y Tratamiento de la Imagen, que incluye todos los conocimientos necesarios para convertirte en iluminador de cine y teatro.

Según el tipo de luz que alumbre la escena, podremos denotar alegría, tristeza o miedo. Los colores tienen fuertes connotaciones psicológicas que despiertan en nosotros sensaciones. Estos combinados con la forma y dirección en que la luz se proyecta sobre los objetos dará aún más pistas.

En teatro iluminar es un arte, una difícil tarea en la que directores y técnicos crean una parte imprescindible de la representación. En función del género o estilo de la obra, conoceremos qué tipo de iluminación es necesaria. Por ejemplo, en una obra romántica se utilizarán lámparas filtradas en direcciones selectivas, mientras que en una farsa podremos ver una iluminación global.

Tipos de luces y cómo lograrlas

Lo primero que debemos saber para iluminar una escena, es que existen distintos tipos de focos para hacerlo. Cada foco, tiene una intensidad y por tanto, su efecto será distinto. El leko, es un reflector que produce luz dura y definida; el fresnel es pequeño y luz difusa; la batería es una tira y tiene luces suaves de distintos colores; el panorama provoca una luz brillante y concentrada sin permitir control; y el cañón crea una luz intensa y definida, ideal para seguir a un personaje por todo el escenario.

Una vez conocemos los focos, debemos valorar en qué dirección entrará la luz y qué sombras provocará en las tablas. En primer lugar, están las luces frontales, enfocan la sala y el escenario de cara, iluminando de forma directa los movimientos de los actores y actrices.

Musical Anastasia.

Musical Anastasia. Fotografía de Javier Naval

Al otro lado del escenario encontramos los contras, que son aquellas luces que nacen del fondo del escenario, enfocando las espaldas; cuando se encuentran arriba permiten efectos de saturación sin afectar a la definición del rostro (por ejemplo, azul intenso, ambiente de noche…); si están a la altura de los pies siluetea, y provocan sombras que pueden ser interesantes para algunas puestas en escena.

Por su parte, las luces laterales altas se utilizan en teatro realista, ya que muestran donde estaría la supuesta fuente de luz (ventana, sol…). No obstante, las laterales provocan un resultado distinto si se encuentran bajas, en esa posición se llaman “calles” y suelen usarse en danza, ya que modelan el cuerpo de bailarines y bailarinas.

Coreografía de ballet.

Suspended in time. Set e iluminación por Luis Perdiguero

Seguro que también habéis oído hablar de la luz cenital, aquella que nace desde arriba, desde el techo del escenario. Este tipo de luces sirven para remarcar, dando volumen y en ocasiones cierto aire de misticismo. En su posición opuesta se encuentran las luces nadir, nacen del suelo y dan efecto vaporoso o evocador.  Menos conocidas son las candilejas; frontales pero prácticamente desde el suelo, muy poco realistas y dan sensación de terror o angustia por las sombras que provocan en el fondo.

En definitiva, la iluminación de una escena teatral es una tarea que debe llevar a cabo un profesional de la iluminación en consonancia con el resto de equipos de la compañía.

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